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Justificación conceptual

La serie desnonament-al es un tríptico fotográfico escenificado que aborda el momento del desahucio y su impacto psíquico. El título juega con la palabra catalana “desnonament” (desahucio) y el sufijo “-al”, que remite a una alteración mental: el desahucio físico se convierte también en desahucio emocional. La serie busca condensar ese cruce entre violencia económica y fragilidad psíquica en un escenario doméstico mínimo: la escalera de una casa que ya no es hogar.

Performance íntima y registro fotográfico

Aunque el trabajo se presenta como tres fotografías, su origen es una pequeña performance doméstica: el personaje se mantiene estático sentado con la maleta en el escalón, cabizbajo, mientras la cámara lo  registra desde el mismo punto de vista. Tal como se explica en el módulo sobre performance, muchas prácticas de Body Art y arte de acción utilizan la fotografía como “huella de la huella”, el resto de algo efímero (Baqué, 2003; Ribalta, 2004). Aquí la acción es mínima, sentarse, esperar, ir desvaneciéndose, pero está cargada de tensión: es el instante suspendido entre tener casa y dejar de tenerla. La pose reiterada y el desenfoque vuelven inestable el cuerpo. En la primera imagen el personaje aún es relativamente reconocible; en la segunda empieza a desdibujarse; en la tercera casi se disuelve. Este tránsito dialoga con la idea de Virilio (1988) sobre la “estética de la desaparición”: el cuerpo que se esfuma habla de la pérdida de derechos, de identidad y de lugar en el mundo.

Vida íntima, espacio doméstico y vulnerabilidad

Los textos sobre “Vida íntima” insisten en cómo muchos fotógrafos desde los años setenta han desplazado la mirada documental hacia sus propios entornos domésticos para hablar de temas sociales: pensemos en Nan Goldin o Larry Sultan, que utilizan la familia, parejas,( en este caso yo usé un amigo),  y el hogar como escenario para reflexionar sobre la enfermedad, el deseo o la clase media (Goldin, 2005; Sultan, 2017).

En desnonament-al el espacio íntimo está invadido por el precinto de rayas rojas y blancas, que introduce una marca burocrática y violenta en el hogar. La maleta al costado del personaje señala la expulsión inminente; la pared de la escalera remite a un cuerpo potencialmente vulnerable o envejecido. La imagen parte de un desahucio concreto, pero apunta a una problemática colectiva: la precariedad de vivienda social y su impacto emocional.

Puesta en escena y fotografía escenificada

La serie se sitúa claramente en la tradición de la fotografía escenificada revisada en el módulo “La fotografía escenificada: desde el pictorialismo hasta la mise-en-scène del siglo XXI”. No se trata de captar un “instante decisivo”, sino de fabricar la imagen (Chevrier, 2004; Del Río, 2008). Todo está controlado: el vestuario cotidiano del modelo, la presencia de la maleta, la cinta de precinto, el encuadre desde el lateral que enfatiza la caída por la escalera y la luz cálida dirigida.

Al mismo tiempo, el uso del desenfoque y de la estela de movimiento introduce una dimensión temporal que remite a la idea de performance y a una cierta teatralidad, en la línea de las escenas cinematográficas de Crewdson, donde “algo está pasando” aunque no se nos muestre explícitamente (Heartney, 2008).

Influencia de Sarah Moon y de la estética onírica

Me he inspirado en la obra de Sarah Moon, en blanco y negro o color muy desaturado, donde el movimiento, el grano y el desenfoque generan atmósferas melancólicas y casi soñadas (Moon, 1997; Higgins, 2018). En sus fotografías, como en las mías, el cuerpo está y desaparece dentro de un halo de luz, más cercanos a un recuerdo que a un documento.

En esta serie intento trasladar esa cualidad onírica al contexto del desahucio: no hay grito ni violencia explícita, sino una especie de desvanecimiento emocional, como si todo estuviera ocurriendo en una fracción de segundo en la mente del protagonista. La progresiva pérdida de nitidez y el paso a una clave alta en la tercera imagen dialogan con ese imaginario de Moon, donde el exceso de luz borra los contornos.

Técnica, cámara y punto de vista

Esta serie se ha realizado con una cámara Nikon D90. El punto de vista se sitúa aproximadamente a la altura de la barandilla, con un encuadre vertical que sigue la dirección de la escalera y refuerza la sensación de caída. La barandilla y el muro actúan como líneas de fuerza que encierran al personaje y limitan su movimiento, esa incomodidad forma parte del sentido de la imagen. En la tercera fotografía, en cambio, me alejo ligeramente y abro el encuadre, dejando más espacio alrededor del personaje: esta mayor lejanía visual refuerza la idea de desaparición y de distanciamiento emocional del propio hogar.

El efecto de desdoblamiento y desvanecimiento lo provoca el movimiento intencionado de la cámara durante la exposición: agito ligeramente, arriba y abajo, mientras presiono el obturador en la primera toma, de modo que el cuerpo queda “barrido” y aparecen estelas. Para las siguientes acelero más y más el movimiento por lo que la imagen es el resultado de una acción física sobre la cámara, coherente con la idea de experimentación técnica.

Luz y dramatismo

La iluminación combina una luz fija del rellano (que no se podía apagar) con una lámpara de luz cálida con tulipa de metal plateado ,colocada en los escalones inferiores, dirigida hacia el rostro desde abajo. Esta decisión no es solo técnica, sino expresiva,  la luz ascendente genera sombras poco habituales y acentúa la sensación de inquietud y dramatismo, en continuidad con las estrategias de teatralización que se mencionan en el módulo de puesta en escena.

La limitación de no poder apagar la luz del rellano me obliga a explorar otras opciones de exposición y composición de las que tenía: la lámpara cálida me permite “re-escribir” el espacio y concentrar la atención en el rostro y las manos, dejando el resto del entorno en un tono más neutro.

Clave alta, movimiento y desvanecimiento

El segundo recurso expresivo es como un progresivo desplazamiento hacia la clave alta a lo largo del tríptico:

• En la primera imagen apenas he retocado los niveles: mantengo una gama relativamente amplia de tonos, con sombras reconocibles y un contraste moderado.
• En la segunda, el leve movimiento de cámara durante la exposición suaviza ya los contornos y “lava” parte del contraste, aunque los ajustes de niveles siguen siendo mínimos.
• En la tercera, sí que aclaro algo más la imagen en postproducción, desplazando los niveles hacia las luces. El resultado es una fotografía casi fantasmal en la que el personaje y el espacio se acercan a la disolución como la pequeña maceta con un brote verde situada al fondo y que apenas se adivina.

Postproducción y construcción de la imagen

En postproducción (Adobe Photoshop) el trabajo ha sido muy contenido:

• Ajustar levemente los niveles en la primera y segunda imagen para equilibrar el contraste, y de forma más clara en la tercera para acentuar el efecto de desvanecimiento.
• Mantener la calidez general del color sin saturaciones excesivas.

La sensación de movimiento y borrado procede, por tanto, sobre todo de la toma fotográfica y del movimiento de cámara, y no tanto de un retoque intensivo posterior, acorde con la idea de construir la imagen en la propia acción de fotografiar.

BIBLIOGRAFÍA

Baqué, D. (2003). La fotografía plástica. En D. Baqué, La fotografía plástica.
(Citado en el módulo “Referencias y pretextos artísticos”, apartado “Performance: el registro fotográfico”).

Nan Goldin (2005) , en S. Bright. Art Photography Now. Londres: Thames&Hudson.
(Citado en el módulo “Referencias y pretextos artísticos”, apartado “Vida íntima”).

Chevrier, J.-F. (2004). La fotografía entre las bellas artes y los medios de comunicación. En J. Ribalta (Ed.), Efecto real (pp. 22–23). Barcelona: Gustavo Gili.
(Citado en el módulo “Referencias y pretextos artísticos”, apartado “La fotografía escenificada: desde el pictorialismo hasta la mise-en-scène del siglo XXI”).

Del Río, V. (2008). Fotografía y pintura: del fotoconceptualismo a la forma cuadro.
(Citado en el módulo “Referencias y pretextos artísticos”, apartado “La fotografía escenificada: desde el pictorialismo hasta la mise-en-scène del siglo XXI”).

Heartney, E. (2008). Arte & Hoy. Londres: Phaidon.
(Citado en el módulo “Fichas temáticas sobre recursos expresivos en fotografía”, apartado “Puesta en escena”).

Higgins, J. (2018). ¿Por qué la imagen no tiene que estar enfocada? Entender la fotografía moderna. Barcelona: Promopress.
(Citado en el módulo “Fichas temáticas sobre recursos expresivos en fotografía”, apartado “Clave alta / clave baja” y “Espacio”).

Moon, S. (1997). Inventario. Salamanca: Ediciones Universitarias de Salamanca.
(Citado en el módulo “Fichas temáticas sobre recursos expresivos en fotografía”, apartado “Clave alta / clave baja”).

Ribalta, J. (Ed.). (2004). Efecto real. Barcelona: Gustavo Gili.
(Citado en el módulo “Referencias y pretextos artísticos”, en los apartados sobre fotografía escenificada y performance).

Sultan, L. (2017). Talking about ambiguity.
(Citado en el módulo “Referencias y pretextos artísticos”, apartado “Vida íntima”, en relación con Larry Sultan).

Virilio, P. (1988). La estética de la desaparición. Barcelona: Anagrama.
(Citado en el módulo “Fichas temáticas sobre recursos expresivos en fotografía”, apartado “Puesta en escena”).